วัฒนธรรมแจ๊ส

วิธีการเล่นเปียโนแบบใหม่ที่เรียกว่า“ Harlem Stride Style” เกิดขึ้นในช่วง Harlem Renaissance และช่วยเบลอเส้นแบ่งระหว่างชาว Negros ที่ยากจนและ Negros ที่มีฐานะทางสังคม วงดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมประกอบด้วยเครื่องดนตรีทองเหลืองเป็นหลักและถือเป็นสัญลักษณ์ของภาคใต้ แต่เปียโนถือเป็นเครื่องดนตรีของผู้มั่งคั่ง ด้วยการปรับเปลี่ยนเครื่องมือให้เป็นแนวเพลงที่มีอยู่ปัจจุบันชาวแอฟริกันอเมริกันที่ร่ำรวยสามารถเข้าถึงดนตรีแจ๊สได้มากขึ้น ความนิยมแพร่กระจายไปทั่วประเทศในไม่ช้า นวัตกรรมและความมีชีวิตชีวาเป็นลักษณะสำคัญของนักแสดงในช่วงเริ่มต้นของดนตรีแจ๊ส นักดนตรีในเวลานั้น ได้แก่ Fats Waller, Duke Ellington, Jelly Roll Morton และ Willie“ The Lion” Smith แสดงให้เห็นถึงความสามารถและความสามารถในการแข่งขันที่ยอดเยี่ยมและได้รับการพิจารณาว่าได้วางรากฐานสำหรับนักดนตรีในแนวเพลงในอนาคต ย่านฮาร์เล็มในนิวยอร์กซิตี้มีบทบาทสำคัญในการพัฒนารูปแบบการเต้นรำโดยทำหน้าที่เป็นที่ตั้งของสถานบันเทิงยอดนิยมหลายแห่งที่ผู้คนจากทุกเพศทุกวัยเชื้อชาติและชั้นเรียนมารวมกัน Cotton Club ให้ความสำคัญกับนักแสดงผิวดำและรองรับลูกค้าผิวขาวในขณะที่ Savoy Ballroom รองรับลูกค้าที่เป็นคนผิวดำเป็นส่วนใหญ่
นอกเหนือจากการเต้นรำแบบบลูส์และแจ๊สแล้ววิธีการพูดที่โดดเด่นการพูดสแลงสวิงหรือการพูดคุยแบบติดตลกพร้อมกับดนตรีและยังถูกนำไปใช้ในบทความเกี่ยวกับดนตรีและนักดนตรี บางคนอ้างว่าคำแสลงนี้มีอิทธิพลต่ออิทธิพลของ Louis Armstrong แต่โลกแจ๊สโลกใต้พิภพและวงการบันเทิงมักมีข้อโต้แย้งที่โดดเด่นเสมอ สิ่งเหล่านี้รวมอยู่ในวงดนตรีสวิงและการแสดงออกเช่น "Hit that jive, jack" และ "Let's get racy with Count Basie" ซึ่งคั่นด้วยการพูดซ้ำและล้อเล่นของนักดนตรีไม่เพียง แต่เป็นนักเต้นผู้ฟังนักเขียนและคนอื่น ๆ ใน " สะโพก "ฝูงชนและกลายเป็นส่วนหนึ่งของการพูดจาทั่วไป แม้แต่อารมณ์ขันเช่น "Nagasaki" "Flat Foot Floogie" และ "Is You Is or Is You Ain't My Baby?" จะพบได้ในเพลงร็อกแอนด์โรลในทศวรรษต่อ ๆ มา ท่ามกลางภาวะเศรษฐกิจตกต่ำคนงานในสหรัฐฯและชายหญิงที่ว่างงานเต้นรำสังสรรค์และแสวงหาเพลงฮิตในยุคสวิงนั่นคือ "One O'Clock Jump" "Mood Indigo" และ "In the Mood" โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงทศวรรษแห่งวงสวิงเพลงบลูส์ได้ย้ายมาอยู่แถวหน้าไม่ใช่เพลงบลูส์คันทรีของ Blind Lemon Johnson หรือเพลง City blues ของ Ma Rainey แต่เป็นเพลงในเมืองที่เล่นโดย Ellington, Henderson, Basie และ Jimmy Lunceford ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1930 นักกีต้าร์ Eddie Durham, Charlie Christian และ T-Bone Walker ได้ใช้ไฟฟ้าและขยายเสียงรวมกีตาร์เข้ากับออเคสตร้าขนาดใหญ่และใช้ในการโซโลอย่างแซกโซโฟนหรือทรัมเป็ต ความพยายามและคอมโบของ Nat "King" Cole, Slim Gaillard และ Slam Stewart, Stuff Smith และ Louis Jordan นำไปสู่การร็อคแอนด์โรลและดนตรีของ Muddy Waters, Chuck Berry และในที่สุด Elvis Presley และวงดนตรีร็อกของอังกฤษ การใช้ไฟฟ้าของกีตาร์ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ยังมีการผสมผสานระหว่างเปียโนไฟฟ้าเบสและเครื่องดนตรีอื่น ๆ ในปี 1970 ชุดเหล่านี้และวงออเคสตราทางตะวันตกเฉียงใต้เช่น Alphonso Trent, Bennie Moten และ Oklahoma City Blue Devils มีขนาดเพิ่มขึ้นจากหกเป็นแปดถึงสิบสองและสิบสามหรือมากกว่านั้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 และต้นทศวรรษที่ 1930 ในส่วนของจังหวะสตริงเบสจะเข้ามาแทนที่ทูบาและใช้กีตาร์แทนแบนโจและมีการเล่นจังหวะที่ยืดหยุ่นกว่าใน four/four แทนที่จะเป็น 2/four วงสวิงยังสลับการแสดงทางเดินโดยมีส่วนที่เป็นกลอนสดโดยนักร้องเดี่ยวที่ "ร้อนแรง" ในขณะที่สมาชิกวงคนอื่น ๆ "riffed" หรือเล่นลวดลายจังหวะสูงเป็นพื้นหลัง เสียงใหม่ที่น่าตื่นเต้นเหล่านี้ทำให้นักเต้นและนักดนตรีเหมือนกันส่งให้พวกเขาเข้าสู่ช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยมเมื่อดนตรีนักดนตรีและนักเต้นหลอมรวมกันในยามเย็นเป็นซิมโฟนีแห่งเสียงและการเคลื่อนไหว การเต้นรำกระวนกระวายใจใหม่เช่น Lindy Hop และ Big Apple แสดงให้เห็นถึงจังหวะที่โดดเด่นเหล่านี้ไม่เพียง แต่มีขั้นตอนใหม่ ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเคลื่อนไหวกายกรรมที่คู่หูคนหนึ่งขับเคลื่อนอีกฝ่ายขึ้นและห่างจากพื้นในสิ่งที่เรียกว่าบันไดอากาศ เมื่อโจเซฟ "คิง" โอลิเวอร์เสียชีวิตในฤดูใบไม้ผลิปี 1938 ผู้ประท้วงของเขาหลุยส์อาร์มสตรองและหัวหน้าวงดนตรีคนอื่น ๆ เช่น Cab Calloway และ Earl Hines อ้างในงานศพของเขาว่า Oliver เป็น "ราชาแห่งวงสวิง" ที่แท้จริง คนอื่น ๆ ที่สวมชื่อและนักดนตรีวงสวิงโดยทั่วไปพวกเขากล่าวว่าเป็นหนี้จำนวนมากให้กับหัวหน้าวงดนตรีแจ๊สครีโอล นี่เป็นวิธีที่บ่งบอกว่าดนตรีในยุคของวงดนตรีขนาดใหญ่หรือที่เรียกว่าวงสวิงตั้งแต่ทศวรรษที่ 1930 เป็นการเติบโตของดนตรีแจ๊สในยุคแรก ๆ ความคิดนี้แตกต่างกับความคิดของแฟน ๆ ที่ว่าดนตรีแนวสวิงเช่นนิวออร์ลีนส์แจ๊สหรือดิกเซียลแลนด์เป็นสิ่งที่ไม่ต่อเนื่องและแยกออกจากบีบ็อป ในช่วงทศวรรษที่ 1920 กวีเช่น T.S.
Elliot, Carl Sandburg และ E.E. Cummings กำลังเขียนโดยมีความเป็นทางการน้อยลงและไม่คำนึงถึงรูปแบบดั้งเดิม กวีนิพนธ์มีการพัฒนาไปพร้อม ๆ กับดนตรีแจ๊สได้รับความนิยมเพิ่มขึ้น รูปแบบงานศิลปะทั้งสองได้บันทึกสไตล์ของกันและกันและรวมกันเป็นกวีนิพนธ์แจ๊สซึ่งไม่เพียง แต่มีการอ้างอิงตามตัวอักษรถึงดนตรีแจ๊สเท่านั้น แต่ยังเลียนแบบสไตล์ของดนตรีด้วย
ในช่วงลูกนกดนตรีเต้นรำได้เข้ามามีส่วนร่วมในรูปแบบดนตรีต่างๆที่มีอยู่และสร้างรูปแบบใหม่ ชิ้นงานคลาสสิกบทประพันธ์และดนตรีพื้นบ้านล้วนถูกเปลี่ยนให้เป็นท่วงทำนองการเต้นรำที่เป็นที่นิยมเพื่อสนองความนิยมในการเต้นรำของประชาชน ตัวอย่างเช่นเพลงหลายเพลงจากบทเพลง Technicolor The Rogue Song ที่นำแสดงโดยนักแสดงโอเปร่าเมโทรโพลิแทนลอว์เรนซ์ทิบเบ็ตต์ได้รับการจัดเรียงใหม่และเผยแพร่เป็นดนตรีเต้นรำและกลายเป็นเพลงยอดนิยมของสโมสรในปี พ.ศ. เพลงของ ODJB ได้รับการบันทึกโดยนักดนตรีคนอื่น ๆ เช่น Fletcher Henderson และ His Orchestra ซึ่งเป็นหนึ่งในวงดนตรีแจ๊สที่ได้รับความนิยมและมีอิทธิพลมากที่สุดในช่วงทศวรรษที่ 1920 นักดนตรีแจ๊สให้ความสำคัญกับการค้นหาเสียงและสไตล์ของตัวเองและนั่นหมายความว่านักเป่าแตร Miles Davis นั้นให้เสียงที่แตกต่างจากนักเป่าแตร Louis Armstrong (ซึ่งเสียงที่คุณสามารถได้ยินในชั้นเรียนดนตรีของ Louis) นักดนตรีแจ๊สชอบเล่นของพวกเขา เพลงในสไตล์ที่แตกต่างของตัวเองดังนั้นคุณอาจฟังเพลงแจ๊สที่บันทึกเสียงเพลงเดียวกันได้หลายสิบเพลง แต่แต่ละเพลงจะให้เสียงที่แตกต่างกัน รูปแบบการเล่นของนักดนตรีทำให้แต่ละเวอร์ชั่นแตกต่างกันและโซโลที่ไม่ได้ปรับแต่งก็เช่นกัน แจ๊สคือการสร้างสิ่งที่คุ้นเคย - เพลงที่คุ้นเคยให้กลายเป็นสิ่งที่สดใหม่ และเกี่ยวกับการทำสิ่งที่แบ่งปัน - เพลงที่ทุกคนรู้จัก - เป็นสิ่งที่เป็นส่วนตัว นี่เป็นเพียงเหตุผลบางประการที่ทำให้ดนตรีแจ๊สเป็นรูปแบบศิลปะที่ยอดเยี่ยมและทำไมบางคนถึงคิดว่าเป็น "ดนตรีคลาสสิกของอเมริกา" ดนตรีแจ๊สเสรีและรูปแบบที่เกี่ยวข้องกับแจ๊สแนวเปรี้ยวจี๊ดทะลุเข้าไปในพื้นที่เปิดโล่งของ "โทนเสียงอิสระ" ซึ่งมิเตอร์จังหวะและความสมมาตรที่เป็นทางการทั้งหมดหายไปและดนตรีระดับโลกจากอินเดียแอฟริกาและอาระเบีย ผสมผสานเข้ากับรูปแบบการเล่นที่เข้มข้นและมีความสุขทางศาสนาหรือถึงจุดสุดยอด ในขณะที่ได้รับแรงบันดาลใจจาก bebop เพลงแจ๊สฟรีทำให้ผู้เล่นมีละติจูดมากขึ้น ความกลมกลืนและจังหวะที่หลวมถือว่าขัดแย้งกันเมื่อแนวทางนี้ได้รับการพัฒนาครั้งแรก ชาร์ลส์มิงกัสมือเบสมักมีความเกี่ยวข้องกับดนตรีแจ๊สแนวเปรี้ยวจี๊ดแม้ว่าผลงานของเขาจะมาจากสไตล์และแนวเพลงมากมาย ในช่วงต้นทศวรรษ 1940 นักแสดงสไตล์บีบ็อปเริ่มเปลี่ยนดนตรีแจ๊สจากเพลงยอดนิยมที่เต้นได้ไปสู่ "ดนตรีของนักดนตรี" ที่ท้าทายยิ่งขึ้น นักดนตรี Bebop ที่มีอิทธิพลมากที่สุด ได้แก่ นักเป่าแซ็กโซโฟน Charlie Parker นักเปียโน Bud Powell และ Thelonious Monk นักเป่าแตร Dizzy Gillespie และ Clifford Brown และ Max Roach มือกลอง การหย่าร้างจากดนตรีเต้นรำทำให้ bebop สร้างตัวเองมากขึ้นในรูปแบบศิลปะจึงช่วยลดความนิยมและความดึงดูดทางการค้า
มีปัญหาในการเล่นไฟล์นี้? ขอความช่วยเหลือจากสื่อในปีพ. 2462 วงดนตรีครีโอลแจ๊สดั้งเดิมของ Kid Ory จากเมืองนิวออร์ลีนส์เริ่มเล่นในซานฟรานซิสโกและลอสแองเจลิสซึ่งในปีพ.
2465 พวกเขากลายเป็นวงดนตรีแจ๊สสีดำวงแรกของนิวออร์ลีนส์ที่บันทึกเสียง ในปีเดียวกัน Bessie Smith ได้ทำการบันทึกเสียงครั้งแรก ชิคาโกกำลังพัฒนาเพลง "Hot Jazz" และ King Oliver เข้าร่วมกับ Bill Johnson Bix Beiderbecke ก่อตั้ง The Wolverines ในปีพ. ดนตรีแจ๊สยุคแรกได้รับการพัฒนาในช่วงทศวรรษที่ 1910 ในยุค "หลอมละลาย" ของนิวออร์ลีนส์เนื่องจากผู้เล่นได้ผสมผสานอิทธิพลต่างๆเช่นแร็กไทม์เพลงบลูส์และวงโยธวาทิตเข้าด้วยกันเพื่อสร้างรูปแบบของดนตรีแจ๊สที่หนักหน่วงในการแสดงดนตรีแบบโพลีโฟนิก แน่นอนว่าการเข้าถึงอินเทอร์เน็ตในศตวรรษที่ 21 นั้นง่ายกว่าที่เคยในการค้นพบประวัติดนตรีแจ๊สเกือบทั้งหมดเพียงแค่กดปุ่มและปัจจุบันมีนักดนตรีในปัจจุบันที่เล่นดนตรีแจ๊สในรูปแบบต่างๆทั้งหมด ผู้คนไม่ได้หยุดเล่นเพลงสวิงในทันทีเมื่อ bebop ปรากฏตัวและนักดนตรีบางคนจะแสดงและบันทึกดนตรีแจ๊สประเภทต่างๆ
ในช่วงทศวรรษที่ 1980, 1990 เป็นต้นมาดนตรีแจ๊สได้ก้าวไปสู่หลายระดับ ฟิวชั่นผสานเข้ากับแจ๊สที่เบาขึ้นเชิงพาณิชย์มากขึ้นซึ่งหลายคนไม่คิดว่าแจ๊สเลย ผู้เล่นรุ่นใหม่ยังคงปรากฏตัวขึ้นเรื่อย ๆ ทั้งในรูปแบบดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมและในรูปแบบใหม่ ๆ ในบรรดานักอนุรักษนิยมที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ Wynton Marsalis (1961–) เขายังมีส่วนร่วมในการสร้างและนำวง Lincoln Center Jazz Orchestra ซึ่งเป็นกลุ่มที่อุทิศตนเพื่อรักษาดนตรีแจ๊สคลาสสิกให้คงอยู่ ดังนั้นในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 ดนตรีแจ๊สจึงไม่ได้รับความนิยมอีกต่อไปในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 แต่ก็ยังคงมีแฟนเพลงที่เหนียวแน่นและดึงดูดคนใหม่ ๆ อย่างต่อเนื่อง เนื่องจากแจ๊สมีสไตล์และศิลปินที่หลากหลายมากมายซึ่งมีบางสิ่งให้ทุกคนได้เพลิดเพลินแจ๊สจึงถือเป็นหนึ่งในรูปแบบดนตรีอเมริกันที่สำคัญที่สุด ดนตรีแจ๊สเป็นหนึ่งในรูปแบบดนตรีอเมริกันที่เป็นต้นฉบับและสร้างสรรค์ที่สุด ตลอดศตวรรษที่ 20 ดนตรีแจ๊สมีวิวัฒนาการมาเพื่อครอบคลุมรูปแบบที่ซับซ้อนหลากหลายรูปแบบและได้ผลิตนักแต่งเพลงและนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษนี้ แม้ว่านักดนตรียังคงเชื่อมโยงกับชีวิตในคลับที่มีดนตรีแจ๊สมาโดยตลอด แต่บีบ็อปแจ๊สก็เริ่มถอยห่างจากความหมายทางเพศที่เปิดเผยมากขึ้นของดนตรีแจ๊สไปสู่วัฒนธรรมแจ๊สที่ "เย็นกว่า" ซึ่งดนตรียาเสพติดและเรื่องเพศมีความซับซ้อนมากขึ้น . Bebop นำไปสู่การประดิษฐ์การเคลื่อนไหวของดนตรีแจ๊สอื่น ๆ เช่น "cool jazz" ซึ่งให้ความตื่นเต้นน้อยลง แต่ยังคงเน้นไปที่งานศิลปะ Miles Davis, Gerry Mulligan และ Chet Baker ได้พัฒนารูปแบบที่ยอดเยี่ยมโดยยังคงเล่นโดยศิลปินเดี่ยวกลุ่มเล็ก ๆ ดนตรีแจ๊สสุดคูลมาพร้อมกับ "ฮาร์ดป็อบ" สไตล์บลูส์ที่พัฒนาโดย Jazz Messengers ซึ่งรวมถึง Blakey, Horace Silver และ Lee Morgan ประเภทของดนตรีที่พัฒนาขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ยี่สิบในสหรัฐอเมริกาดนตรีแจ๊สแสดงถึงการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบทางดนตรีของชนเผ่าในยุโรปอเมริกาและแอฟริกันที่เชื่อมโยงกับประเพณีพื้นบ้านของชาวแอฟริกัน - อเมริกันและมักแสดงโดยวงดนตรีของนักดนตรีแอฟริกัน - อเมริกัน เชื่อกันว่าคำว่าแจ๊สมาจากครีโอลคำว่า jass ซึ่งหมายถึงการเต้นรำแอฟริกันหรือการสังวาส คำว่าแจ๊สปรากฏตัวครั้งแรกในการตีพิมพ์ใน San Francisco Bulletin ฉบับเดือนมีนาคม พ.ศ.
2456 โดยอ้างอิงถึงเพลงเต้นรำที่ร่าเริง จากจุดเริ่มต้นของนิวออร์ลีนส์สถานบันเทิงยามค่ำคืนความเสื่อมโทรมแอลกอฮอล์การใช้ชีวิตแบบหลวม ๆ เรื่องเพศลัทธินิยมและชาวแอฟริกันอเมริกันดนตรีแจ๊สกลายเป็นรูปแบบการแสดงดนตรีที่ได้รับความนิยมและมีอิทธิพลอย่างมากซึ่งยังคงไว้ซึ่งความหมายที่เซ็กซี่และน่าเชื่อถือ Thomas“ Fats” Waller (1904–1943) เป็นนักดนตรีแจ๊สผู้ยิ่งใหญ่อีกคนที่สร้างชื่อให้ตัวเองเล่นเปียโนในไนต์คลับ Harlem แจ๊สเป็นประเภทดนตรีชั้นนำตลอดช่วงทศวรรษที่ 1920 และความนิยมของมันก็ไม่มีขอบเขต พอลไวท์แมน (2433-2510) เป็นดรัมเมเยอร์ที่ได้รับการเลื่อนตำแหน่งให้เป็นราชาเพลงแจ๊ส ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาในดนตรีแจ๊สคือคอนเสิร์ตในปีพ. 2467 ที่เปิดตัวเพลงใหม่“ Rhapsody in Blue” ที่แต่งโดย George Gershwin (1898–1937) จอร์จและพี่ชายของเขาไอรา (2439-2526) เป็นนักแต่งเพลงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในยุคแจ๊สและดนตรีของพวกเขาผสมผสานองค์ประกอบต่างๆจากแจ๊สคลาสสิกและแม้แต่โอเปร่า เสียงครอสโอเวอร์เหล่านี้พบฐานแฟนเพลงที่แข็งแกร่งในกลุ่มผู้ชมผิวขาว ดูหนังออนไลน์